Raphaël sanchez:  presse

http://sites.radiofrance.fr/chaines/formations/concerts/FANTASTIQUE/?IDA=3682

Sondheim selon Sanchez

Dans le cadre du weekend que consacre Radio France à la comédie musicale, les 9 et 10 juin au Centquatre, Raphaël Sanchez nous fera mieux connaître, le samedi 9 à 18h, l’univers de Stephen Sondheim, l’auteur d’A Little Night Music et deSweeney Todd.

Raphaël Sanchez, vous allez nous offrir au Centquatre un florilège de compositions de Stephen Sondheim...

— Les initiés savent que Sondheim est le plus avancé et le plus adulé des compositeurs de Broadway. Il a fait ses débuts comme parolier de Leonard Bernstein pour West Side Story, puis il a signé une vingtaine de comédies musicales, soit comme auteur, soit comme compositeur, soit comme auteur et compositeur.

Comment définir les comédies musicales de Sondheim ?

— Elles se situent en réalité à mi-chemin entre le monde de l’opéra et celui de la comédie musicale A l’instar des partitions de Bernstein, elles exigent un orchestre de grande qualité. Ce sont des œuvres de création où textes et chansons sont impliqués dans la dramaturgie, et non pas des divertissements comme peuvent l’être 42e Rue ou Hello Dolly. Elles n’ont rien à voir non plus avec cet autre type de divertissement, dit à la française, qu’on voit depuis quelques années, au Palais des sports et ailleurs, où il n’y a pas de théâtre, où il s’agit avant tout de chorégraphie et de lumières, avec des chansons de variété.

Quelle différence y a-t-il entre une chanson de variété et une chanson de Sondheim ?

— Une chanson de variété décrit un état, une chanson de comédie musicale comme le conçoit Sondheim accompagne l’évolution d’un personnage.

Vous placez très haut Sondheim, vous en faites un compositeur très exigeant. A vous entendre, il serait presque aussi inaccessible que Schoenberg...

— Lequel ? (rires)

Arnold, bien sûr !

— N’exagérons rien. Sondheim ne cherche pas à inventer un nouveau langage. Harmoniquement, il est très proche de Poulenc, un compositeur français que j’estime énormément.
L’harmonie, chez Sondheim, ne sert pas à accompagner. Elle sert à créer des couleurs, dont le prisme meût pour accompagner, appuyer avec subtilité des fines nuances verbales. Modifier une note d’une phrase, d’un accord, d’un simple demi-ton met soudain en valeur une syllabe, un mot, crée un sentiment par exemple d’interrogation, d’affirmation, de doute...Son langage musical est très fin et je pense qu’il faut le comprendre pleinement pour pouvoir le diriger et l’aborder.

J’en profite pour saluer au passage le travail des nombreux adaptateurs (ils sont six !) qui ont eu beaucoup de fil à retordre lorsqu’il s’est agi de traduire en français les paroles des chansons que nous allons donner lors de notre concert au Centquatre.

Comment traduire ? La comédie musicale n’est-elle pas un genre situé, comme on dit daté, c’est-à-dire typiquement new yorkais ?

— C’était le projet et le défi. Les chansons de Sondheim sont longues, narratives, il faut que l’adaptation en français soit pertinente, drôle, profonde, etc. Il nous est arrivé de renoncer à une chanson parce que les premiers mots de la traduction sonnaient ridicules. Par ailleurs, il faut noter que c’est la première fois que Sondheim donne l’autorisation de traduire les paroles de ses chansons.

Vous-même, vous êtes compositeur...

— Oui, et je me sens d’une certaine manière proche de Sondheim de par mon goût du détail et de la complexité harmoniques. Sans chercher évidemment à le copier, je suis extrêmement sensible à son intelligence et à sa finesse musicale, qui me rappelle forcément à ce que m’ont inculqué, et ce à quoi ont su me donner goût, mes Maîtres lors de mes années de Conservatoire. J’ai beaucoup écrit de musiques de scène, autant pour le théâtre que pour le théâtre musical, et l’une de celles que j’estime le plus réussies a été composée pour piano solo pour La Ronde de Schnitzler, que nous avions donné en 1999 si mes souvenirs sont exacts. Actuellement, je termine une comédie musicale d’après Le Magasin des suicides de Jean Teulé, qui devrait être créée au printemps 2013.

Propos recueillis par Christian Wasselin

Le concert du 9 juin à 18h sera diffusé le 6 juillet à 12h35 sur France Musique.

- Chapeau Stephen Sondheim ! - Sondheim en langue française (03-12-2014 à 18H00)

À propos du Livre de la Jungle:
Europe 1 / 15-10-2017: invité de David Abiker dans son émission “C’est arrivé demain”
podcastable ici (vers 31:10 de l’émission)
http://www.europe1.fr/emissions/c-est-arrive-demain/cest-arrive-demain-151017-3464666

Cirque du Soleil / St Peterburgh Times (USA) Dec 26, 2005

Nimble artists set Cirque to music

Their plain purple jumpsuits belie the flash and showmanship required of the musicians who play Varekai's score.

By JOHN FLEMING, Times Performing Arts Critic

Published December 26, 2005

ST. PETERSBURG - "Three, two, one . . . and go." The voice, in calm, French-accented English, came over the headset I'd been given to wear while sitting with the band during a performance of Cirque du Soleil's Varekai.

The voice was that of bandleader and keyboard player Raphael Sanchez, speaking on the communication system that connects him with the other six instrumentalists and two singers. He was cueing the ominous music that accompanies the descent from on high of an acrobat with huge white wings.

"Isabelle, please . . ." Sanchez said a few moments later, and singer Isabelle Corradi's haunting wail filled the big top.

And so it went for the rest of the performance, a running commentary of sorts, a secret narrative to Varekai's heavily amplified score. It was heard only by the musicians and a few others, such as sound and lighting technicians and the stage manager, as Sanchez delivered hundreds of cues and other directions over their headsets.

Sanchez's job is to keep the music of composer Violaine Corradi (the singer's sister) in synch with an ever-changeable performance. Dressed in purple jumpsuits, he and the musicians, tucked into a cramped, shadowy space just offstage, are rarely noticed by the bedazzled audience. Its attention is transfixed by the bizarrely costumed high-flying acrobats and trapeze artists, contortionists, clowns and other cast members.

"Each show is different," said Sanchez, who watches the performance intently on a video monitor to the left of his two keyboards. "I feel sometimes like I'm telepathic with the acrobats. I can feel when they're going to jump. I can see their muscles flex."

Such nuances are important, because the timing of the music varies from performer to performer. For example, a lightweight acrobat flying through the air will make a quicker landing than a heavier one, requiring a musical phrase to be taken at a slightly faster tempo.

"Raphael's got the toughest job in the whole show," drummer Paul J. Bannerman said. "Above anyone else, he's got the most on his shoulders. He's watching the show, calling the show, playing the show. He has to make sure that the band makes it look like it's all natural and fits together."

Sanchez, a Frenchman, is a veteran conductor of Chicago, Les Miserables and other musicals in Europe. Trained as a classical pianist, he has played most every style of music in all kinds of shows, including other circuses. But nothing quite compares to the Cirque approach.

"The big difference is the way you communicate," he said. "You conduct with your voice and not with a baton."

Before Irina Naumenko's hand-balancing-on-canes number, Sanchez had an exchange with violinist Vuk Krakovic, who asked if he should use vibrato in his solo. "You can play it straight," Sanchez replied, then added, "kind of melancholic."

Sanchez gave the violinist a thumbs-up gesture after the number. The band enjoys playing for Naumenko, a Russian whose act is a sensual blend of contortion and gymnastics.

"Some of the artists, more than others, will listen to music, which helps us a lot," Bannerman said. "Irina listens very well to music, and we can work nicely with her. If you get an artist who just goes out and does her thing, if she's ahead or behind, we have to kind of scramble to catch up or slow down. Some acts are fairly consistent, some are less consistent. It's a give-and-take situation."

Sometimes acts are changed for one reason or another. With up to 10 shows a week, acrobats suffer their share of injuries. Backstage after a show, some of them drape ice packs over their shoulders and legs as they critique a video of the performance. On the night I was there, the spectacular finale, Russian Swings, was changed, and Sanchez briefed the musicians over their headsets when they had a break during a clown number.

"This will be the short version of Russian Swings. A normal crossover for you, Craig," he said, giving a direction to singer Craig Jennings. The number ran about two minutes less than usual.

Then there are the occasional flubs. An acrobat stumbles. The juggler drops a ball. A trapeze doesn't come down on time. Sanchez and the band have to adapt on the fly.

"As soon as I see something strange onstage, I immediately prepare the band, tell them to get ready in case we have to do a backup plan," Sanchez said. That night, when an acrobat fell after a landing in Russian Swings, the band elongated the passage it was playing until he got up, then moved into the next section without missing a beat.

The musicianship in Varekai is impressive. During Octavio Alegria's juggling act, Sanchez dashed off a nimble piano solo that sounded like Latin jazz meeting Chopin. "My old fingers are still working," the 41-year-old, laughing, said over the headsets.

Bannerman, surrounded by an array of acoustic and electronic percussion in his drum booth, laid down a crisp rhythmic foundation for the show. Wayne Hankin played a variety of odd wind instruments, such as a bamboo affair somewhat similar to a soprano sax and a large bagpipe called a grosserbock. Three of the instrumentalists sang on choruses.

There are numerous computerized sound samples worked into the complex mix, and two clown numbers are done to recorded tracks, but the score is performed live. This often comes as a surprise to the audience when the musicians take their bows.

"The audience thinks, most of the time, the music is from a CD," Bannerman said. "Even when we come out at the end, it's like, "Who are these guys in purple?' They don't realize we've been playing all along."

- John Fleming can be reached at 727 893-8716 or fleming@sptimes.com

AT A GLANCE

Cirque du Soleil's Varekai has performances Tuesday through Saturday at Tropicana Field, St. Petersburg. $35-70, $31.50-$63 seniors, $24.50-$49 children. Toll-free 1-800-678-5440; www.cirquedusoleil.com

[Last modified December 23, 2005, 12:13:02]

Le Rapport du Matin, Le Roi Lion au Théâtre Mogador, Janvier 2008

http://www.lerapportdumatin.com/?p=259

Le musical “Le Roi Lion” à Paris | « C’est Le Rapport du Matin, tous les ragots, les potins…» [extrait du Roi Lion]

« Quelques minutes avec… l’orchestre

Le Roi Lion, encore une prolongation… »

Quelques minutes avec… Raphaël Sanchez

Raphaël Sanchez est le directeur musical du Roi Lion. Chaque soir ou presque – il a deux assistants pour l’épauler – il dirige toutes les parties musicales et « tient » sous sa baguette 60 personnes : les solistes, le chœur et l’orchestre du Roi Lion.

Le Rapport du Matin a eu la chance de le rencontrer le mardi 22 janvier 2008, quelques minutes avant le spectacle.

Bonjour et merci d’avoir accepté de répondre aux question du Rapport du Matin. Nous allons commencer par une question que de nombreux spectateurs se posent : l’orchestre du Roi Lion est-il vraiment nécessaire – on ne le voit même pas ? Pourquoi ne pas utiliser plutôt une bande-son ?

Raphaël Sanchez : La question serait plutôt à l’envers, pourquoi est-ce qu’il y a des bandes-son sur d’autres spectacles ? Et pourquoi les danseurs ne seraient-ils pas en hologrammes ? Voici la vraie question !

La partition qui est jouée à Paris est-elle différente de celle de Broadway ?

Raphaël Sanchez : C’est la même partition. Il y a juste de toutes petites retouches qui sont des clins d’œil au public français…

Chaque soir, vous interprétez la même partition : c’est du pilotage automatique ?

Non, chaque soir, le spectacle est différent. La seule chose conservée, c’est le tempo. L’énergie de chaque spectacle dépend des comédiens sur scène, de tous les interprètes. C’est d’ailleurs quelque chose que l’on ne peut pas faire avec un CD, ce mélange impalpable, cette énergie, c’est l’essence même du spectacle.

Pouvez-vous nous présenter l’orchestre et la partition du Roi Lion ?

Raphaël Sanchez : Il y a 18 instrumentistes sur la partition, mais comme ils sont 3 par « poste », cela fait 50 instrumentistes environ. Voici les 18 musiciens présents à chaque spectacle :

un quatuor à cordes – donc 4 musiciens

un flûtiste ethnique

un contrebassiste qui joue aussi de la basse électrique

un guitariste électrique et acoustique, qui joue aussi du kalimba

un batteur qui joue aussi sur des instruments électroniques

un corniste – cor en fa

un tromboniste – trombone ténor

un tromboniste – trombone basse et tuba

un percussionniste dont marimba

deux autres postes de percussions

trois postes de clavier dont un seul joue les notes qu’il a sous les yeux. Les deux autres jouent des sons ou des mélanges de sons qui sont programmés. Ils peuvent par exemple jouer un do dièse et on entend une clarinette qui fait un arpège.

Comment faites-vous pour assurer une qualité musicale, particulièrement en raison du nombre important de doublures et d’intervenants ?

Raphaël Sanchez : Ma journée type ici, c’est 2 à 3 heures de répétition par jour en moyenne et le spectacle. Nous répétons quand c’est nécessaire : pour former les remplaçants par exemple. Quand on veut mettre de nouvelles doublures, on essaie de les grouper et on fait des répétitions avec l’orchestre. Aujourd’hui, j’estime que le spectacle est rôdé au niveau des musiciens, toutes les doublures et les « triplures » musiciens ont joué le spectacle. Pour les répétitions des doublures sur scène, je m’arrange à avoir les doublures de l’orchestre pour pouvoir entretenir le répertoire avec eux.
J’ai aussi pour habitude de donner des indications aux musiciens après ou avant les spectacles. Pendant le spectacle, je prends des notes sur les chanteurs comme sur les musiciens, et je leurs transmets ensuite.

Le travail n’est donc jamais terminé ?

Raphaël Sanchez : Jamais ! Cela fait partie de l’essence même du spectacle d’être un « work in progress » comme disent les anglo-saxons. Si l’on vient deux fois, on verra forcément une évolution !

La configuration de la fosse d’orchestre réalisée pour Le Roi Lion à Mogador ne vous permet pas de voir vos instrumentistes, c’est gênant ?

Raphaël Sanchez : Effectivement je ne vois pas les musiciens mais eux me voient sur un petit écran ! C’est extrêmement curieux… On s’y habitue mais cela a été une surprise un peu cruelle : je ne m’attendais pas à cela et pas à ce point là. J’ai vu le spectacle à Londres, on voyait les musiciens… On m’a dit que c’était pour des questions de sécurité, parce qu’on a besoin de trop d’espace par rapport à la fosse ouverte que l’on pourrait avoir…

Et vous arrivez malgré tout à faire passer des messages avec tel ou tel musicien ?

Raphaël Sanchez : J’arrive à faire passer des choses, parce qu’on a une gestuel différente par type d’instrument. Mais malheureusement, cela peut prêter à confusion et cela oblige donc à faire beaucoup de métrique, et moins de musique.

Vous avez dirigé un certain nombre de musicals présentées à Paris, pourquoi ?

Raphaël Sanchez : C’est un genre qui m’a extrêmement séduit dès que j’y suis entré.
Quand j’ai fait Cats en 1989, j’ai été extrêmement surpris. C’est un genre musical que l’on apprend pas en conservatoire, dont on ne parle pas, qui n’existe pas. C’est un genre sous-considéré dans le monde – entre guillemets – « sérieux » de la musique classique, sous-considéré dans le monde de la variété, sous-considéré dans le monde de la danse. Quand au monde du théâtre, je n’en parle même pas. Finalement, c’est un monde qui a ses propres lois, et qui est une sorte de synthèse d’un extrêmement haut niveau de tous ces mondes confondus.
On a d’excellents chanteurs, d’excellents danseurs, d’excellents comédiens qui mettent leurs talents au service d’un projet dans lequel ils doivent utiliser d’autres talents qu’ils maîtrisent moins. Le danseur doit savoir chanter et le chanteur doit savoir danser, c’est ça la loi dans une comédie musicale. La première chose que j’ai entendu aux auditions de Cats en 1988, c’était « untel est excellent danseur, on le veut », le superviseur musical répondait « je n’en veux pas » et le metteur en scène disait « on va lui apprendre à chanter », et vice et versa. En comédie musicale, on ne cherche pas un danseur type, un chanteur type : on cherche un charisme particulier.

Vous aimez donc ce genre, mais pourquoi avez-vous été choisi ?!

Raphaël Sanchez : Votre question est difficile ! (Rires) J’étais comme un poisson dans l’eau dans ce monde. Je n’ai pas cherché à y entrer, on m’a appelé à chaque fois !
On m’a appelé aussi pour Le Roi Lion. J’ai dirigé Chicago juste avant, et ils m’ont appelé alors que j’étais en tournée avec Le Cirque du Soleil aux États-Unis. Ils m’ont fait faire le voyage jusqu’à Londres pour voir le spectacle – et pour voir si on s’entendait bien !

Raphaël Sanchez

Comment êtes-vous face au spectacle qui se déroule, face aux imprévus ?

Raphaël Sanchez : Je suis extrêmement paisible. J’ai beaucoup de plaisir à diriger et à faire marcher un spectacle comme celui-là. Je suis de l’école du cirque, du cirque traditionnel où l’on fait avec ce que l’on a. Même si le chapiteau s’écroule, il faut faire croire que c’était fait exprès. J’ai beaucoup d’appétit pour les imprévus – mais il n’y en a pas beaucoup ici, par rapport au cirque !

En ce moment, vous avez d’autres projets ?

Raphaël Sanchez : J’ai d’autres projets comme compositeur, je viens de signer la musique d’une série télévisée qui va passer sur le câble sur 13e Rue et qui s’appelle Temps Mort de James L. Frachon.
J’ai aussi un projet avec un long métrage pour lequel je croise les doigts !

Et bien bonne chance, bonne continuation et merci pour ces réponses ! Et excellente direction du Roi Lion dans quelques minutes !

Plus d’informations sur Raphaël Sanchez sur son site officiel www.raphaelsanchez.com

Cet article a été publié le Lundi 28 janvier 2008 à 4:49 et est classé dans QUELQUES MINUTES AVEC.... Vous pouvez en suivre les commentaires par le biais du flux RSS 2.0. Vous pouvez laisser un commentaire, ou faire un trackback depuis votre propre site.

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Cirque du Soleil - Casting Dept - Meet the team - 2007

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INTERVIEW

YOUR BIGGEST ARTISTIC ACHIEVEMENT IN YOUR PRE-CIRQUE CAREER:

My ten-year artistic collaboration with Annie Fratellini (Cirque Fratellini, Paris) as composer and music director

PLEASE TELL US ABOUT YOUR ARTISTIC BACKGROUND PREVIOUS TO JOINING CIRQUE:

Composer for movies, theatre and traditional circus (Annie Fratellini)
Conductor for many productions including, Les Miserables, Cats, Chicago, Hello Dolly, 42nd Street and Les Ballets de Monte-Carlo
Conductor, arranger and/or orchestrator for many movie soundtracks, albums and other experimental projects
Pianist with a strong classical background, I also play jazz, fusion, and traditional music like Argentinean tango

•RAPHAËL SANCHEZ

•France

•Music Conductor

•Varekai

WHEN DID YOU JOIN CIRQUE DU SOLEIL?

November 2004.

WHAT WAS YOUR FIRST CONTACT WITH THE ORGANIZATION? WHAT WAS THE CONTEXT?

I met the Cirque casting/scouting team in Paris while they were auditioning singers.

WHAT KIND OF AN EXPERIENCE WAS YOUR AUDITION AND/OR TRAINING AND/OR WORKSHOP?

I didn’t really do an “audition": I gave Cirque a DVD of my work and they called me a few months later for Varekai. They sent me the DVD of the show and a CD with 4 songs on which I was to record some keyboard parts.

HOW DID YOUR INTEGRATION GO IN MONTREAL AND IN THE SHOW?

It went very fast. I spent 3 days in Montreal learning make-up, getting fit for my costume, having meetings with the composer and the artistic director, finalizing my contract and getting up to speed on administrative procedures. Then I flew directly to Dallas, TX where Varekai was performing for its last 10 days with its former bandleader Michel Cyr. The artists, the coaches and the technical team were very helpful and I’d like to thank them for their kindness.

HOW DOES BEING PART OF A CIRQUE DU SOLEIL SHOW ALLOW YOU TO EXPRESS YOURSELF IN YOUR DISCIPLINE?

After more than 850 performances of Varekai I still feel the same as when I began 30 months ago. Every show is a “Premiere" that requires the same awareness, sensitivity and energy…

WHAT DO YOU LIKE THE MOST ABOUT BEING PART OF CIRQUE DU SOLEIL?

The quality of everyone’s involvement… from all the “dreamers" and performers, to the amazing support staff: technical, logistics, wardrobe, concessions, administration, Tour services, Food & beverages, Information technology, VIP, carpentry, rigging, schooling, kitchen, security, cleaning, etc. I am part of an amazing team!

If we could collect and transform the energy that everyone gives on Varekai into electricity, we could light a city!

HOW DID THE TRANSITION GO BETWEEN YOUR FORMER CAREER TO YOUR CURRENT CIRQUE CAREER?

For me to have to concentrate my energy on one only project was kind of new and almost scary! My former career was very eclectic… in a typical day I could be conducting a recording session in the morning, rehearsing with a traditional tango orchestra in the afternoon, conducting a theatre show in the evening and finally composing, or writing arrangements and orchestrations for my next project at night!

Fortunately, given the complexity of the show, the interaction between departments during the show and the fact that there are plenty of adjustments to do all the time, my role as bandleader keeps me really busy!

WHY WOULD YOU RECOMMEND AN ARTIST TO JOIN CIRQUE?

It is a very unique experience you’ll never forget.

HOW IS LIFE ON TOUR / IN LAS VEGAS / IN ORLANDO?

“Intense" doesn’t begin to describe it, but traveling with my family makes a big difference compared to everything I knew before. I’ve never had so much time with them!

Also, I’d like to mention that Cirque provides schooling for the children on tour with the best teachers, better than we could have ever dreamed of. In the past 18 months my son has learned English, is learning Russian and taking lessons in juggling and acrobatics.